導言：作為寫作愛好者，不可錯過為您精心挑選的10篇藝術理論論文，它們將為您的寫作提供全新的視角，我們衷心期待您的閱讀，并希望這些內容能為您提供靈感和參考。

篇1

1、 藝術管理含義

藝術管理是人類運用藝術學、管理學的理論對于藝術活動實施管理的行為。其內容十分豐富，涵蓋了不同領域的知識，包括政治、經濟、科技、文化等等，是一門綜合性非常強的學科。藝術管理的發展是隨著藝術的發展而發展的，人類的藝術管理活動是一個由低級到高級，從無序到有序的發展過程。隨著人類社會藝術活動產生，自先秦開始，詩歌、繪畫、音樂、舞蹈及其他藝術活動的出現，藝術管理活動就已形成，但從實質上講，那時對藝術的管理還處于政治的手段進行管理，藝術自身的管理也多從屬于政治。

例如，季札觀樂，孔子刪詩，師曠審音，也都是按照政治標準來管理藝術的。到了唐宋時期，盛世到來，政治、經濟、文化達到中國歷史的一個頂峰，這一時期的藝術管理，不再為政治服務，更多的是走向民間，走向市場化。到了近現代社會，在近代管理科學的影響與促動下，人們對于藝術活動實施有序的和有為的管理，并且逐步成了科學的藝術管理理論與管理體系。包括藝術展演、影視播映等藝術活動，這類文化活動滿足了人民日益增長的精神文化需求，提高了全社會的人員的人文素質、豐富其精神生活，從而為社會的和諧、向上和健康發展提供一些支持。

2、 藝術創意的含義及發展

藝術創意是指人們在藝術或其他活動中創造新穎的藝術意象與意蘊的行為。狹義的藝術創意，即指在一般藝術活動中的創意行為，廣義的藝術創意則是在其他社會活動中融入藝術創意的因素，并以藝術創意的精神予以運作的行為。藝術創意從屬于一般文化創意，但又不同于一般的創意。通常的創意，即指文化創意，一般既包括藝術創意，也包括經濟創意、科技創意等，但經濟創意、科技創意又通常是與藝術創意共同交織而發揮作用的，其中藝術創意往往起到核心的作用。

3、 藝術管理與藝術創意的聯系

作為新興的學科體系，藝術管理學與藝術創意有著緊密的聯系，在理論層面，藝術管理與藝術創意均具有深厚的理論淵源與積累，成為具有新興學科的理論框架與體系; 在社會實踐層面，二者都具有應用與實踐的特色，直接服務于社會文化建設和人民生活; 在其學科與專業建設的層面上，無論是發展歷史悠久的藝術管理，還是處于建設階段的藝術創意，均顯現出學科與專業建設的廣闊前景。藝術管理和藝術創意都是人們在藝術活動或其他活動中智慧與才能的充分發揮，它不僅對于藝術活動及其產品不斷創新與提升，而且對于藝術生產力的提高具有重要的意義和作用。

創意生活產業就是兩者相互區別，相互交融，相互促進的產物，在當代經濟發展和文化建設中凸現出重要的地位和作用。創意生活產業，源自藝術管理、藝術創意和文化積累，以創新的經營方式提供食、衣、住、行、育、樂各領域有用的商品或服務，提供具有深度體驗及高質美感的產業。極大地豐富和滿足了人們的物質文化需求和精神文化需求。

前段時間在微博上火極一時的“黃太吉煎餅果子”，改寫了傳統美食的新傳奇，用新思維，新模式，打造出了中國新式快餐，也是藝術管理和藝術創意的作用下誕生的一個創意生活產業的典型。不僅在口味上盡可能地滿足食客的需求，除煎餅果子外，還有現磨豆漿，鹵汁豆腐腦、秘制豬蹄、麻辣燙、四川涼面等，其多元化的也最大限度的滿足食客的味蕾，從而吸引更多的消費者。另外，其“別具匠心”的營銷模式，應該是成功的關鍵，不論是裝修布局( 采 用港式茶餐廳和西式咖啡廳的風格) ，還是店里的標語“在這里吃煎餅、喝豆腐腦思考人生”“所有的漢堡、比薩都是紙老虎”“小生意、大志向”這些別有用心的創意都迎合了現代消費者的心理需求。同時利用現代化媒體微信、微博、陌陌等跨界宣傳讓傳統美食煥生新容。

在當代社會主義精神文明建設中，深入研究藝術管理與藝術創意的特點及其相互聯系，對于推進藝術管理與藝術創意活動的深入，以及藝術管理學與藝術創意學的不斷成熟，乃至促進當代社會文化建設及其繁榮，均具有重要的意義。單一的藝術活動形式已越來越不能滿足人們的精神追求，多元化、多樣性的藝術文化符合現代人快節奏的生活方式和創新理念，從而越來越被人們所接受和推崇。例如芭蕾舞與魔術的結合，一個唯美浪漫，一個神秘傳奇，傳統鋼琴演奏和喜劇表演，一個陽春白雪，一個下里巴人，他們的結合使舞臺效果耳目一新，帶給觀眾全新的藝術體驗。

4、 當代社會如何發展藝術管理和藝術創意

藝術管理與藝術創意推進藝術建設與發展、提高了藝術活動的社會效益與經濟效益、提升了人民大眾的文化藝術素質，促進了人才的全面發展和創新。如何有效的發展這一新興的學科，我認為從以下幾方面開展:

首先，注重人才培養，藝術管理和藝術創意的研究和開展需要具備廣博的文化知識，通曉各個藝術門類的專業知識，掌握某種藝術技能，了解不同門類藝術基礎知識，還要有較強的藝術感受力、理解力、洞察力、欣賞力、邏輯思維能力等綜合素養，唯此才能促進藝術管理理論的縱橫發展。因此，需要大力加強學生的專業知識的培養，同時使其了解不同門類藝術的基礎知識、文史哲知識，開闊視野，才能有針對性地推出相應的藝術作品。

同時，鼓勵社會各界尤其是在從事藝術活動、產品制造、品牌推廣、營銷和零售方面的勞動人民，在實踐活動中，充分發揮其聰明才智和藝術創意，將各類藝術的形式與現實生活相結合，創造更多具有新意，具有競爭力的產品，使藝術管理和藝術創意，不僅推動社會主義精神文化建設，而且推動現代社會經濟建設。其次，注重發展我國的優秀文化傳統，中國擁有五千多年的悠久文化，擁有豐富的文化資源，然而在全球化的過程中，中國文化面臨著巨大的挑戰。

作為炎黃子孫，發展中國文化是我們每一個人義不容辭的責任，隨著時代的發展，中西文化交流的密切，許多外來文化、藝術形式視乎顛覆了中國傳統的文化內涵。再次，培養創新意識，創新意識是人們根據社會和個體生活發展的需要，引起創造前所未有的事物或觀念的動機，并在創造活動中表現出的意向、愿望和設想。它是人類意識活動中的一種積極的、富有成果性的表現形式，是人們進行創造活動的出發點和內在動力。藝術管理和藝術創意專業的大學生，創新意識的培養，尤其重要，它直觀地體現在藝術教育的作用和功能上。創新意識既是藝術管理和藝術創意的途徑又是藝術管理的目的。

因此，要想發展我們的文化藝術，應該從小抓起，將藝術管理和藝術創意滲透到中小學等各階段的教學中，從小樹立藝術創意的意識，將來為社會主義經濟建設做出更大貢獻。

篇2

二、了解美術教育中的人文體現；

三、實施美術教育中的人文培養；

四、發展美術教育中的人文教育；

關鍵詞：美術新課程標準、美術課程的人文性質、人文性、健全人格、人文素養

大家對清華大學學生劉海洋的“硫酸潑熊”事件肯定記憶猶新，它引起了社會的廣泛關注，“傷熊”事件已由事情的本身轉向了對其教育的反思上。據劉海洋的母親說，他從小不看電視，不出去玩，一天到晚看書、學習，也沒有看過多少人文書籍。還有2000年浙江省金華市一名中學生不堪學習壓力而殘殺母親的事件等等。這些事例深刻地反映出人文教育缺失的嚴重后果，多數學者認為在當前學校中，全面發展的素質教育方針落到操作層面上仍存在很多問題，對學生的評價仍以語、數等所謂的“主課”為主，但卻忽視了學生情感、審美、自理能力、社會合作等人文訓練，在實際教學過程中通常會發現學生的感受力下降、感受不到大自然的美、藝術的美、對事物缺乏興趣、缺少好奇心和探究欲、缺乏對成就感、自尊心的體驗、缺乏對親情、人性、友情的體驗等。

《美術新課程標準》第一部分前言的第一節——課程性質與價值中明確指出：美術課程具有人文性質，是學校進行美育的主要途徑，是九年義務教育階段全體學生必修的藝術課程，在實施素質教育的過程中具有不可替代的作用。我試圖在理解“人文”的基礎上，將結合自己多年的美術教育教學實踐經驗談談對小學美術新教材中體現的人文性的認識及培養學生人文素養、發展學生健全人格的具體做法。

一、認識美術教育中的人文內涵

關于人文，人們平時談的已經很多，但是不是他們都了解人文的內涵？是不是美術教師都很清楚美術課程具有人文性質呢？美術課的教育教學又怎樣才能更好地體現出美術課程的人文價值呢？我認為必須首先認識人文的內涵及美術教育中的人文特性。

1、我國古代對“人文”的定義

在我國古代，“人文”是《易》學名詞，《易·賁象》中指出：文明以止，人文也。觀乎天文，以察時度；觀乎人文，以化成天下。可見，在中國傳統文化中，“人文”與“天文”相對，這里的“觀乎人文，以化成天下”帶有規范家庭、社會、國家各種人際關系的倫理概念。因此，中國古代的人文教育是以倫理道德的教育為核心的。

2、西方古代對“人文”的解釋

在歐洲，古羅馬時期的哲學家西塞羅在其《論雄辯家》一書中首次把humanitans（人文精神）列為一個辯論者的基本訓練項目，并認為“humanitans”是指一種能夠使個人的才能得到最大限度的發展的，具有人道精神的教育制度。14世紀，意大利詩人彼特拉又提出了人文主義（humanism）的理論，后來就成了文藝復興時期“高度重視人和人的價值觀的一種思想態度”。人文主義以人為衡量一切事物的標準；注重人對于真與善的追求；重視人的價值。20世紀以后，伴隨著自然科學和社會科學的蓬勃發展，“人文”一詞又專指與科學相對的文史哲等一系列非實證性的學科和事業，它主要是培養人的內在的道德素質的學問。

由此可見，盡管東西方的學者對“人文”的解釋有文化背景上的差異，但其基本精神內核是相通的。“即人文是指區別于自然現象及其規律的人與社會的事物，其核心是貫穿于人們的思維與言行中的信仰、理想、價值取向、人格模式、審美趣味，亦即人文精神”。美術課程是富有人文性的人文課程，在多藝術門類、多學科綜合的美術教育中，通過美術與生活、美術與情感、美術與文化、美術與科學的連接達到學生的審美能力、審美情趣的逐步形成和提高。同時培養學生的尊重、關懷、交流、合作、分享等人文素養，促進學生個性的完善與發展。小學美術新教材中的內容是充滿“人文關懷色彩”的學科，是學校進行美育和人格教育的主要途徑。

二、了解美術教育中的人文體現

將人文性確定為美術課程的基本性質具有十分重要的意義，它將改變美術教育只是技能技巧的學習和訓練的教育觀念，從而幫助學生通過美術的學習更好地汲取不同時代美術作品中所蘊含的豐富的人文精神，不斷發展其在美術文化學習過程中的人文素養。我認為美術課程的人文性質主要體現在以下幾個方面：

4、體現在美術對人的全面發展所起的作用。在美術學習中學生的內在思想和情感可得到充分的表現，進而發展其個性，因此美術學科同其他的人文學科一樣，對人性的完善起到很好的熏陶作用。

案例4：在《彩球滾滾》的教學過程中，我播放了一段廢紙滿天飛，環境受污染的錄像。學生馬上對此情此景發表了自己心中的想法：廢紙是一種污染，那里的人不愛護環境，隨地亂扔紙屑，使得廢紙滿天飛，環境變差了，一點也不美了！學生內在的人文情感一觸就發，通過將一張張廢紙運用新穎、獨特的變成一個個漂亮的紙球（有的用水彩筆、油畫棒將紙球涂上顏色；有的用彩紙裝飾紙球；有的將紙球放在調好的顏料中滾動一下，就變成了一個漂亮的紙球等等），學生的個性得到充分的展露。并在輕松愉快的打“保齡球”，彩球拼畫等游戲活動中不僅明確了環保的重要性，體驗到了“變廢為寶”的創造樂趣，更主要的是學生在美術文化的學習中，內心的思想、情感得到了充分地表現，個性得到了自由地展現，并使其心靈深處扎入了強烈的人文意識，受到了良好的藝術熏陶，健全的人格得到了多方面的完善與發展。三、實施美術教育中的人文培養

1、創設情境，激發人文情感

現代社會科學技術的迅速發展，需要人的高尚的情感與之平衡。因為情感是美術的一個基本品質，也是美術文化學習活動中的一個基本特征。《美術新課程標準》中明確指出：注重文化情境有兩個方面的作用，一是在特定的文化環境中能幫助學生更好地理解美術作品的含義；二是能幫助學生通過美術作品更好地理解一定社會的人文和科學特征，兩者相互依存。

為此，我在美術教學別注重創設美的情境，營造審美化的課堂，以美的形象（教師儀表大方得體）、美的語言（適合學生心理，富有親和力的語言）、美的作品（名家名作、教師范作、學生優秀習作）、美的課件、美的教學手段等來打動學生、感染學生，以此引起學生感情上的共鳴，并將情感內化為熱愛生活、熱愛學習的動力。在上《蝶兒飛飛》一課時，我播放了精美的蝴蝶標本圖案，優美的《梁祝》音樂，讓學生充分感受到大自然的奇妙和美麗，從而激發學生高昂的學習熱情。當我展示了各種蝴蝶的圖案，演示了蝴蝶的制作方法，使學生感受到美就在我們的身邊，只要我們勤動腦、多動手，就能創造生活中的美。當我播放了一段《臺灣蝴蝶甲天下》的錄像后，讓其感受祖國媽媽日夜盼望著臺灣的回歸，從而激發學生希望臺灣早日回歸祖國媽媽懷抱的人文情感。

2、活動激趣，體驗人文情感

新的美術課程強調趣味性的美術學習，它是以豐富多彩的美術活動、游戲的方式，以靈活多變的教學方法和貼近學生生活的實際，促進學生主體性的發揮和個性的張揚。

心理學研究表明：小學生（特別是低年齡段的學生）愛玩好動，注意時間短，行為思維較發達。因此在教學中，我適當地模糊學科界線，以跨學科、多種活動相結合的形式營造趣味性的美術學習氛圍，激發學生的興趣，挖掘學生的創造潛能，讓其在輕松愉快的美術活動中體驗美術文化的人文情趣。例如：在上《踢踢腿、彎彎腰》一課時，先讓學生隨著《健康歌》的旋律，即興展示輕快優美的舞姿，在跳一跳、看一看、想一想、動一動的活動過程中使學生的身心獲得發展。根據學生的實際情況和課程內容的呈現形式，適時增加學生習作的彈性，可以讓學生用筆畫、用手做、用肢體動作表現等學生自己喜好的方式表現。這樣不僅兼顧了各類學生的需要，而且有利于主體性的充分發揮和個性的張揚。讓學生明白了“生命在于運動”的道理，不但在最大限度上激發了學生對美術文化學習的持久興趣，并將興趣轉化為持久的情感態度和學習動力，讓學生在美術的學習活動中真正地、深入地體驗到美術人文文化的情趣。

3、自主學習，發展人文素養

傳統的美術教學方式往往以教師為中心，采用“滿堂灌”的教學方法，這在很大程度上束縛了學生的自主性，同學之間的合作性。《美術新課程標準》中提出：要積極鼓勵學生進行自主、探究、合作式的學習方法，充分發揮每一位學生的主體性與創造性，不斷體驗美好的生活、人性的完善和親情、友情的珍貴，從而陶冶自我的審美情操，發展自身的人文素養。比如在上《小小食品店》一課時，我將學生分成若干個小組，由組員自行安排各項工作。學生們熱情高漲，自主性地了解各種食品的形狀、顏色特征；探究性地討論如何利用彩泥制作各種各樣的食品，吸引“顧客”的光臨；合作性地一起完成“食品”的加工和改造。課堂上各個小組的學生積極主動、互相幫助，并且不斷地聽到學生們發出的吆喝聲，像模像樣地做起了食品店的“老板”……在自主性地了解過程中，探究性地討論過程中，合作性的制作過程中及參與社會性的“商品交易”過程中，學生深深地感受到了社會、生活的美好，朋友、伙伴的友情、親情的珍貴和“商品交易”時競爭的激烈，不僅使學生對自身的思想、品德、情感、毅力、意志、個性等人文素養得到了全面、豐富的發展，也為其今后的成長道路指明了正確的道德修養、價值取向的目標。

四、發展美術教育中的人文教育

當代社會，人們對過于重視科學教育而忽視人文教育所造成的不良現象，開始予以積極的反思，在科學中也開始注意滲入人文精神。早幾年，我國有一本暢銷的科學史著作《科學的歷程》，正是因為將科學精神和人文精神的完美的結合才獲得巨大的成功，人們在閱讀中，不僅對科學發展的史實了然于心，而且還感受到了一種強烈的人文精神的震撼。現代美術教育的理念是跨學科的美術文化課程，同樣我們也可以利用各種途徑、方法、手段來拓寬、發展美術教育中的人文教育。在一次學校組織的春游活動中，有幾名學生在觀看文園中的《南潯名人長廊》。當他們看到中國諷刺漫畫先驅者——錢病鶴的簡歷時，好奇地跑來問我們：“老師，諷刺漫畫和我們看的漫畫書中的形象有什么不同？”當時，我們耐心地跟他們談了諷刺漫畫的表現形式和藝術特色，并結合錢病鶴所處時代的歷史背景，向他們講述了諷刺漫畫所產生的社會反響及對人們思想的抨擊教育。學生們聽了倍受啟發，并向我們提議今后在校報、宣傳櫥窗、黑板報等宣傳領域開辟一個教育同學認真學習、好好做人的漫畫天地。這時，我們也倍受啟發：怎樣利用家鄉南潯豐厚的人文資源，引導學生開展探究實踐活動發展自身的人文素養呢？從此，我們制定計劃、目標，通過調查、訪問、討論、攝影、繪畫等各種形式逐步在綜合探究式美術教育課程中發展學生的人文素養。例如：在參觀歷史名跡小蓮莊時，學生們發現有些游客在古樹上任意刻劃，在景區內亂扔紙屑等。他們將這一幕幕破壞環境的情景，化作一幅幅耐人尋味的繪畫作品。在這一過程中，學生不僅僅是藝術語言的表述，更是心靈深處強烈的環保意識、熱愛家鄉、保護文物的思想情感的傾訴。這就使學生受到良好的藝術熏陶，使他們具有積極向上的精神追求，并具有文明感、歷史感和責任感，也就是我們美術教育不斷追求的人文精神。

篇3

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直接用土來進行雕造，雖說古已有之，但作品保存甚少。前不久，太原大學的呂大達教授找我說要做土雕，我很快就答應了。因為幾年前我們就接觸過，我對他所研究的強化土已經有所了解。很快我們便開始了大型土雕的研究制作。呂大達發明的專利能讓土的性質發生變化，既不怕雨淋也不怕冰凍，而且它的硬度僅僅低于磚。就目前了解，這樣一種性質的土雕在世界上還屬絕無僅有。于是，在太原市神堂溝的大路西南，便開始著手制作了。這里風景雖說不上有多么優美，但道路兩旁小樹林里野草芳菲，遠處教堂與廟宇交相輝映，溫泉度假村比比皆是，倒也是個好去處。當時正值天氣灼熱，我們就這樣開始了第一個大型土雕的制作。

作為專業雕塑教師，我已經從事了十幾年的教學工作，制作過各種材料的雕塑，然而土雕材料還是第一次接觸。因此，覺得有必要將我在土雕研究中總結出的一點點經驗以及感受向大家做一個簡單的介紹，也許會對雕塑工作者及雕塑愛好者制作土雕提供一些有益的借鑒，使更多的人在制作土雕時更能得心應手地發揮自己的優勢。

土雕大體可分為原質土土雕與人工填料土雕兩種，原質土土雕因需防雨，一般都在窯洞中制作，如太原上嵐村的土堂大佛。這種土雕局限性較大，只能制作浮雕范疇內的內容，而且土質疏松，這也是古代雕塑中很少有土雕保存的原因之一。上嵐村的土堂大佛是我國極為罕見的古代土雕作品，它是開鑿洞窟而成，由于這里的土質非常細膩，給土雕的制作帶來很大的方便，這尊佛像背部與山體相連，整尊佛像都是在土直雕鑿而成的，對我們研究古代土雕有極高的價值。代填料的土雕是在增強土質的基礎上防雨防凍，呂大達教授所研究的正是這種材料。它基本上是以沙質黃土為原材料，再加一些特殊填料配制而成的。當然其他土質也可制作，但膠泥例外，因配料不易。

當黃土與土質硬化劑配置加壓后，這種土就變成了所謂的強化土，不再懼怕日曬雨淋冰凍，而且在潮濕的情況下比干燥時強度更高。這些變化，使加工、制作土雕有了它自身的獨特性質。它的強度小于磚卻比天然黃土的硬度高得多，雕鑿的性質基本接近天然黃土，既不像石材那么堅硬而脆，又沒有木雕的生長紋理纖維，可它在雕鑿時卻可以達到與石雕木雕幾乎相同的雕鑿痕跡。另外，這種人工填料土雕的特性還在于制作的大小不同，土的特性也會隨之變化。一般我們試驗當土塊小于50立方厘米時，土質沒有明顯變化；當土塊大于50立方厘米時，由于夯土時的力度不均勻，土質會發生明顯的變化，會產生像石材一樣的層紋。

在實驗中，我們還發現不同的工具以及制作手段的不同會對土雕表面產生很大的影響。用鎬刨斧砍以及雕鑿工具制作出的表面效果就會很堅硬，表面強度也很高，尤其是用角磨機打磨過的地方硬度更強（當然土質必須加壓到一定的強度），而用鏟子刀子做出來的表面強度要相對弱一些，用沙紙打磨表面還有可能產生龜裂紋（這和土質外表與內部水分蒸發不同有關）。所以，制作不同的效果要用不同的工具。我們在2002年7月份制作土雕時，開始是在夯好的土上用鎬頭斧子進行開大荒，有時也用鑿子等工具。等到大形基本定型時，主要就是用斧子鑿子以及木雕工具進行制作。在大的平面上一般用鏟子比較多，最后用沙紙將比較細膩的部分打磨好，而將很多刀劈斧砍的痕跡保留下來。在往細致加工的過程中有時需要土質干燥一些，這樣就更有利于用刀刻和打磨。但由于這時土質比較松軟，制作時一定要特別注意。這就是我們制作土雕的基本程序。在土雕制作過程中，我們還發現它具有一定的“活性”。由于夯土的方式不同，會使土的特性發生不同程度的變化，使土產生不同硬度的層紋。水分的保持方式不同有時也會對土雕表面產生影響，表面已經干燥而內部并未干燥時，如用砂紙打磨表面就會產生龜裂紋。這些性質，如應用得好，會產生很好的肌理效果。

土雕雖然總體上是適合制作粗獷而形體比較完整的雕塑稿，但也能制作相對較細致的以及鏤空的雕塑，雖比不上石雕的細致程度及木雕的鏤空性能，但在大型的雕塑中并不會受太大影響。這次實驗我們有意制作了一個比較細膩的歐式造型與一個本人創作的鏤空性比較大的作品《回歸》，結果非常成功。實踐證明土雕有著很好的可雕鑿性。《回歸》這一稿子原本想做成不銹鋼，由于一直沒有實現，這次做成土雕我覺得到是比不銹鋼的感覺更好。沒有了表面的浮華，更接近自然，讓人有種親切感。

土雕作品雖然比不上石雕木雕那樣永久，但與和它比較接近的沙雕相比，就顯得要永久得多。呂大達教授表示，他的研究能讓土雕的壽命達到15年之久，而沙雕只有幾周的壽命。土雕的制作空間也要大得多，它甚至能比冰雕做得更鏤空更細致。雖然它沒有冰雕沙雕的某些特性，但僅上述兩點沙雕與冰雕是無法與其相比的。它的造價低廉，土質又不太硬，如用在教學上會是非常合適的。

當今的雕塑教學大都是以泥塑為主，硬質材料在教學中應用相對較少，這是因為硬質材料制作時間較長，相對造價也比較高。而在大學學習時間只有短短幾年，所以硬質材料只能是作為創作課和實習課來使用。習作課實際上只有塑而沒有雕。雕刻對于學生能否成為真正意義上的雕塑家起著非常重要的作用。這就成為教學中無法解決的矛盾。而土雕的研發正好能解決這一問題。它既不需要花費大量時間又不需要太多金錢，就能解決習作中雕的問題，使雕塑課程進一步完善。也許會對我們的教學起到很大的推動作用。

篇4

贊賞學生是人文精神在課堂教育教學過程中的滲透，體現了學生和老師人格尊嚴上的平等。它倡導個性解放，要求老師應看到人性的美好，看到每個學生都有追求進步、積極向上的傾向，都有聰明、好學、向善的一面。同時，必須以平常心去看待他們的每一個長處，肯定他們的每一次進老師，自然而然就會善于發現學生的每個閃光點，欣賞他們的價值，從而樹立起學生的自信心和自豪感。而對待學生的失敗和錯誤，不能采取責罵、懲罰的態度，而要能以一種廣闊的胸襟給予諒解寬容和鼓勵，井為他們指出一條解決問題、改正錯誤的途徑。學生長期生活在和諧、溫暖、相互信任、相互贊賞的氛圍中，就能養成積極向上的健康心境，就能以積極主動的態度去學習新知識、探索新方法、研究新問題。這樣，不僅能使課堂充滿生命活力，而且使學生的人生旅途充滿著掌聲笑聲、充滿著決心和信心。贊賞是一種美的熏陶，所有學生都希望得到贊賞、信任和鼓勵，這樣的語言對孩子們具有神奇的激勵作用。善與美是緊密相連的，“君子成人之美，而不成人之惡”，作為—名老師，如能時時以飽滿的精神、欣賞的眼光、鼓勵的話語對待學生，必能起到“隨風潛入夜，潤物細無聲”的作用。真就是美，老師的贊賞必須真心誠意，沒有矯揉造作、言過其實或者空洞無實，這樣的贊賞有著自然、真切與和諧之美，具有強烈的感染力和親和力。讓學生在學校里感受到人與人之間的真善美，經常體驗被愛感、成功感、自豪感和愉，從而形成開朗活潑、樂觀向上的性格，建立起親密、和諧、真情的師生關系。在課堂教學中學生就能表現出勇于探索、敢于創新的精神，處處洋溢著真情，時時閃耀智慧的火花。

贊賞是一門藝術，作為它的外在形式的表揚、稱贊、激勵也必定要講究藝術。由于每個學生的性格、學識、經驗和優點不同，教育教學內容、手段不同，要使贊賞達到最佳效果，就必須靈活掌握表揚方法，讓它具有針對性和實用性。表揚角度恰當：表揚學生的行為，如“你記得很流利”，“你幫老師找到了解決問題的途徑”。表揚學生的精神，如“你有嚴謹的科學態度”、“很有創新精神”。表揚學生的素質，如“真聰明”，“你真棒”。對學生提出希望，如“我相信你能行”，“我知道你會成功的”。

篇5

意大利米蘭BOCCONI大學公共與非盈利管理教授阿里克斯。圖里尼以BOCCONI經驗為視角產出公共政策制訂的三種理念，其一，第一手資料公共決策是多層次性，不僅僅是政府決策的層面，而且也是文化組織的決策層面，特別是有可能是項目決策的層次；其二，基于第一手資料公共決策，他提出了三個類型，一是創新性的決策，二是互動性決策，三是情感吸引的決策；其三，他使用實驗的方法，為提取第一手資料提供了很重要的基礎。

來自耶魯大學戲劇學院的維多利亞·諾蘭教授和紐約戲劇發展基金發展總監安·特萊茨是美國著名的藝術管理專家，她們圍繞美國當代戲劇藝術能力狀況進行研究，通過問題假設和調研，既設置了六個能力的一般性的關照，同時叉涉及如何論證和確認這六個能力的狀況，并且探索解決這些問題的方法。

國外藝術管理的專家的研究，首先表現出視野的開闊，既有宏觀的國家層面的政策研究，也有微觀的實際運行與操作的研究，既有縱向研究，也有橫向研究；其次是研究方法具有多樣性。把藝術學、經濟學、管理學、社會學、大眾心理學等有機結合為一體；又次，能夠超越單一的研究角度，上升到一個綜合的、全面把握的角度。

來自國內40余所院校及出版社、文化企業的學者環繞跨文化語境下的藝術管理這一核心命題展開演講和深入的研討，其中又分為四個方面的內容。

第一，跨文化語境下中國藝術管理的宏觀審視。涉及這一命題演講的學者從國內外藝術管理的發展現狀與趨勢出發，高屋建瓴地分析藝術管理理論研究與社會實踐的種種現象和問題。提出了自己的見解。

上海戲劇學院黃昌勇教授從對我國藝術管理專業學科建設梳理開始，基于中西比較的視角、藝術管理體系的構建、方法論的自覺以及實踐與理論相結合等。提出了“一個基本判斷”、“三個發展維度”、“三大問題”的總體觀察。上海交通大學胡惠林教授認為，跨文化本身是流動的。虛擬空間的形成加快了藝術流動的速度，形成藝術的多元化和多樣性；藝術管理具有現代性與社會性，其制度創新值得研究；藝術具有意識形態性，并非專指政治意識形態，而是一種價值體系。北京師范大學周星教授指出，應當科學辨析宏觀藝術管理和微觀藝術管理的關系，重視對藝術活動客觀規律的掌控。不能把藝術管理者等同于行政管理，應當從行政管理的模式和理念里面超越出來；要確立藝術管理的基本理念，科學設置藝術管理學科；要充分認識藝術管理人才的特有品質，重視該類人才培養的特殊規律。濟南大學江奔東教授強調，藝術與文化管理，需要重視文化規制的問題，要有制衡效果的標準，各機構職責劃分是否清楚，規制出臺的政策是否合理；內容規制應當體現全人類共同價值，即先進文化的標準；文化產業規制需要有立法實施和統一的完整性；面對文化規制，需要科學地掌控政府、文化企業和文化消費者三者之間的博弈。山東藝術學院田川流教授深入論述了宏觀藝術管理與圍觀藝術管理的關系。二者在管理的特征、管理主體與客體、管理使命和方式等方面有較大的不同；二者是制導被制導的關系，又是相互協同的關系：二者會出現一些沖突與摩擦，應在文化建設實踐中不斷磨合與化解，使之產生更大的活力。上海師范大學方華從社會學與文化研究領域切入研究藝術管理的狀況，這一過程所體現的社會文化現象早已引起社會學家和文化研究者的關注。上海師范大學劉素華作了中美國家藝術基金的比較研究，指出美國國家藝術基金五十年興衰表明多元文化與共同價值的協調是國家文化治理中的棘手問題，而中國國家藝術基金如何在價值認同的框架中激發文化活力，既是其直面的挑戰，也是其肩負的使命。

第二，跨文化語境下的藝術管理的發展趨向。較多學者針對藝術管理某個方面的現狀與問題，予以深入的剖析，許多觀點具有深刻的創見。天津音樂學院張蓓荔教授認為跨文化傳播要確立科學的理念和標準，尋找相同的精神內涵與情感共鳴；要凝聚政府、企業、社會組織和個人多方力量構成全方位、多層次的傳播格局，用好交流貿易等多種方式；要科學設計項目、制定合理的指標、突出重點、分階段、分批次推進，突出品牌戰略，市場戰略，合作戰略和媒體戰略。山東藝術學院李丕字教授針對我國政府大力推行的“一帶一路”戰略，指出要跳出舊有的“內向型研究”的局限，以開放的心態開拓“外向型研究”，充分發揮雙向視域研究的互補優勢，同時積極開展中外合作研究，真正做到知己知彼、互學互鑒，互利共贏。中國文聯出版社朱慶社長講述了基于互聯網的藝術資源管理。中國文聯出版社建立的“中國文學藝術+互聯網”這一平臺要為每一位藝術家或藝術學家免費做唯一個人的官網，精準和廣泛地傳播交流學術成果。他認為互聯網時代應當拓展藝術管理的視野，建立宏大的藝術資源庫和藝術交流的巨大平臺，這正是科學管理的體現。湖北大學藝術學院張建軍教授切人中國外流文物的回歸這一命題，認為具有跨文化交流的意義，其間既有不同文化碰撞，也有相互的認同。為了實現更多文物的回歸，應當審時度勢，調動政府、民間各方面的力量，加大科學管理與運籌的力度，實施行之有效的舉措。四川音樂學院廖勇教授探討了員工與組織、組織內各部門和組織與外部環境的相互依存關系，提出構建一個有利于組織高效運作的內外管理生態是現代管理的關鍵，而遵照相應的組織制度設計和管理生態模式進行秩序井然的有效管理，則為管理的生態法則。

第三，跨文化語境下的藝術創意、生產與營銷。該課題涉及到藝術管理具體運作的諸多問題，從創意與策劃、生產與運營到傳播與營銷，引發了眾多學者的關注。

南京藝術學院夏燕靖教授提出了“時尚何以先覺、先行和先倡”的命題，認為三個“先”字在市場有一種先導的作用。用這種辦法，把時尚的前沿和信息傳遞給大家，由此從內心對時尚取得一種共鳴。對時尚開發可歸納為四個特點，即時尚和經濟一體化；消費的符號也就是炫耀性的消費；時尚產業全球同步進行中，其周期大大縮小；有高附加值，也有高風險。廣西藝術學院何清新教授運用民族志研究方法，認為基于族流的對歌文化，隱含著藝術傳播的人與人之間的情感想象力。云南藝術學院藝術文化學院侯云峰教授以該院創作體驗話劇《問心》的經驗，闡釋了作為藝術管理類專業在管理實踐中的探索和經驗，是一種基于微觀的和實證性的研究。濟南大學王玉副教授楊楊分析了中國演藝產業在建設中遇到的收益不確定性較強和資產的可抵押性較弱兩方面存在的風險。為使風險在可控范圍之內：一要從風險的來源角度準確識別風險；二要采取模糊綜合評判法，通過選取因素集、因素加權、備擇評語、確定評判矩陣四個步驟科學評估風險，為風險處理措施的選擇提供依據。上海戲劇學院黃海認為，藝術家個人品牌具有重要的意義和特點，具有共性的藝術家個人品牌經營策略，包括確立個人品牌核心價值、滿足藝術消費受眾需要、原創性策略、達成溝通、事件營銷、建立個人品牌形象、建立共同品牌。山東藝術學院李冬梅副教授指出，在電視真人秀節目制作中應把媒體融合作為目標原則，通過目標管理和任務分解，實現攝像、舞美和后期制作的創新，提升節目的影響力。遼寧科技大學藝術學院李囝副教授指出，管理團隊的素質將決定藝術表演團體的整體水平。靈活高效的內部管理機制、多樣化的融資渠道、符合市場要求的營銷策略以及與時代同步的創新手段都是藝術表演團體生存和發展的保證。

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藝術創作的過程是創作者在先進的美術理論指導下，進行獨特的構想與規劃，結合自己的靈感與想法進行藝術創作，而非簡單的元素組合、圖形搭配、寓意灌輸等，因此創作思路很重要。先進的美術理論可以指導創作思路，引導創作者完成作品的造型設想、意圖填充，避免思想偏差引起的創作環節的失誤。

2.選材指導方面

美術理論對于創作題材的選擇方面也具有重要的指導作用。眾所周知，藝術來源于生活，每一項藝術的創作活動都需要以實際的素材為依據，這樣不僅可以激發創作者的創作靈感，而且可以豐富創作的內容及表現手法，以便創造出具有價值的藝術作品。

3.創作指導方面

美術理論對于藝術創作的指導主要表現在創作思路的形成、創作意境的設想、創作人物的形象體現等多個方面。美術理論貫穿整個藝術創作的過程，只有系統、完善的美術理論才能有效地指導藝術創作。

4.批評指導方面

美術批評作為廣義美術理論的主要組成部分，其核心思想是對已完成的作品進行合理、客觀、全面、綜合的評價與考核，促使作品的美術價值及意義得到提升和改進。

二、美術理論指導下的主要藝術創作方法

1.民間藝術創作法

“民間藝術創作法”主要是倡導、引導創作者利用和挖掘民間藝術文化資源，以美術史中記載的多民族的傳統藝術文化為創作依據，發展自身的藝術特色，拓展藝術創作的視角和領域。美術理論指導下的“民間創作”不同于其他性質的藝術，它在人物塑造和情景設置上往往傾向于追求情感的真實性，即美術作品要能充分展示和流露創作者的感彩，對于形象的真不做過多要求，遵循“不求形似，但求神似”的創作境界和主觀感受，造型上體現出民間作家的隨意、即興等特點。

2.宗教觀念創作法

宗教在我國傳統文化的發展史上占有特殊而重要的地位，綜觀我國的藝術創作，宗教題材的藝術往往具有較強的感染力和影響力。美術理論指導下的“宗教觀念法”主要是指在美術作品的創作過程中，要求創作者根據古典的宗教思想及觀念，結合宗教文化的特殊內涵，不斷拓展、延伸作品的內在價值和外在影響。如民間藝人對于宗教觀念如“因果報應”的美術造型設計與展示，使藝術作品充分體現出宗教價值觀念及意義。

3.形象塑造創作法

創作者進行藝術創作的根本就是在先進的美術理論指導下，運用專業知識或通過其他藝術家的輔助進行創作。藝術創作過程中，作品形象的塑造很關鍵。優秀藝術作品的外在形象不僅能夠體現藝術作品的內在涵義，而且能夠給人帶來美好的視覺享受。因此，在藝術作品的形象塑造方面，創作者首先要明確創作意圖和主題，在腦海里勾畫出創作的意境。其次，在作品的構思過程中，創作者要綜合考慮繪圖的實際效果，使繪圖看起來賞心悅目，在色彩的搭配、元素的填充等方面要注重實物的特點描寫和設計等，這樣才能創作出令人滿意的藝術作品。

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二、戲劇空間與時間的假定

戲劇藝術是演員角色扮演的藝術，是在舞臺空間內展現的藝術，所以，假定性在舞臺空間中也起著至關重要的作用。莎士比亞戲劇，在文藝復興時期都是在一個固定的空間內展開的。當時的表現空間布景比較單一，觀眾可以將畫布隔開的空間看做是“特洛伊的廢墟”、“高加索的高山”等，觀眾的想象更豐富，思維更廣闊，參與到戲劇創作中的積極性就更強，所以在當時莎士比亞戲劇中，假定性表現出了巨大的作用。中國的戲劇舞臺一直都在強調夸張與虛擬化。在舞臺空間的假定性中，我們看到了最實際、最貼近生活的一面，空間的轉換，人物心理的轉換，這一切得以實現的依據就是假定性的存在。舞臺空間是可以看得到的，而舞臺時間卻是無形存在的。在舞臺上，對戲劇動作延續的時間把握，是靠假定性來完成的。比如我們用嫩芽新出代表春天，綠蔭茂密代表夏天，落葉枯黃代表秋天，白雪皚皚代表冬天……我們用“假定”就已經把一年四季表現得淋漓盡致了。

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1 電視節目與頻道包裝的重要意義

電視節目的包裝是的根據節目內容和特點,采用新穎和鮮明的形式,對電視節目進行整體介紹和宣傳,建立和維護整體形像,樹立品牌

(1)電視節目包裝是提升電視節目品牌化形象體系的有效途徑

電視節目是文化領域的一種特殊產品,而樹立品牌化形象就是要通過包裝的形式把節目頻道向受眾推廣出去欄目的個性化節目的精品化為電視節目的總體包裝提供了前提,電視節目包裝反過來形成了促進電視頻道品牌化體系發展的重要手段

(2)激烈的媒體市場競爭使電視節目包裝具有現實意義

隨著電視事業不斷進步市場競爭不斷加劇,電視節目的整體包裝對于電視品牌宣傳起到了舉足輕重的作用電視節目包裝從以往少量的局部的需求,發展到大量的電視節目欄目頻道整體的需求;包裝也從單純制作行為,發展為具有策劃創意設計制作等多環節的復合創作行為;從有感而發的個體的創作和制作,發展到精心組織策劃和實施的集體生產形式

2 電視節目包裝存在的幾個誤區

包裝一經電視媒體重視,隨之而來的是一場頻道包裝上的火爆,同樣也在操作上存在著明顯的誤區

誤區之一:盲目追求視覺表象沖擊,風格仿效趨同,從而忽略了媒介的獨立特征很多電視臺的形象宣傳片,追求視覺表象上的華麗,盲目的仿效,通常用一些無地域特征的鏡頭組合來構成,如:“日出”“山河”“大海”“立交橋”等先進的工業流程四季風光的變化等,最終造成了視聽混淆,媒介風格的迷失和觀眾的無法識別

誤區之二:包裝的基本元素不夠協調現有包裝系統中存在一些明顯的不和諧,音樂造型字幕等幾個元素同時運用,不分主次,讓人感到無主信息渠道,西洋樂和民樂共存,不注重音樂節奏,不注重色調,制作上往往流于粗糙

誤區之三:理念過重,負載過重電視形象片最大的特點是瞬間性,它的理念不應該是沉重的,意向應該單純感性,表現元素簡潔輕松好看現在我們在屏幕上見到的有的形象宣傳片往往試圖賦予太多的思想,字幕解說過多,生怕觀眾看不懂,起不到一目了然的推廣效果

誤區之四:過于寫實,不夠現代頻道包裝體現的是媒體的品位和地方特質,是節目系統中最現代的成分,它的難度是獨家意向的提煉和延伸而有些頻道包裝是專題片式的,平鋪直敘,缺乏韻味和意境,停留在表象和展示的層面上

誤區之五:多重標識破壞了信息解讀臺標欄目標版塊標題復合呈現,使受眾視覺累贅,多重信息使形式破壞了內容

3 視節目包裝實現的方法及步驟

針對在電視包裝過程中存在的誤區及弊病,通過認真學習和總結包裝創作的規律,我們大致可以將電視包裝分為分析創意設計及最終執行四個主要步驟

3.1 分析階段

分析階段主要又可以分為受眾分析地域分析和現狀分析這些是在創作整體包裝前必須考慮的三個重要因素,也是影響收視率的關鍵因素,它直接決定了整體包裝核心理念的體現

(1)受眾分析

電視整體頻道包裝所面對的觀眾,不僅是在年齡身份性別有所不同,而且在文化程度審美觀點上也有很大的差異,并導致欣賞興趣和評判標準的巨大差異,在包裝時要把這些因素考慮進去,根據不同的目標收視對象,進行不同的包裝

(2)地域分析

電視包裝要突出自己的特性,盡量避免臺與臺之間的趨同,迷失了自己的方向

強調地域,突出地方特色,強化個性化包裝,是區別其他臺的包裝不可忽略的一個重要原則

(3)現狀分析

現狀分析是指整體包裝改版之前對目前正在動作的包裝進行分析,主要是為了發現當前整體包裝存在的不足之處并有針對性地進行改進只要具體分析透徹了,在以后的包裝中都會把握的更好更準確

3.2 創意階段

通過前面對影響電視包裝的三個因素進行了詳細的分析和總結后,下面就可以開始分析總結,得出一個具體的實施方案,擬訂一個整體的創意策劃文稿,即創意方案,形成一個新的整體包裝核心理念和突破口

下面具體談談電視包裝的創意階段應當注意的兩個原則:創新原則和統一原則

(1)創新原則

電視包裝的創新主要包括三個方面的內容:形式的創新聲音的創新和畫面的創新

①形式的創新

所謂形式的創新,一般是指為片花導視或宣傳片等電視包裝元素賦予新的表現形式,包括新的創意技術和播出方式等

片花形式的創新,主要體現在形象標志的不同表現形式上片花在電視播出中出現最多的,它的時間短,不斷重復的播出可能強化它的視覺形象,給人留下深刻的印象

在宣傳片的表現形式上已經不僅僅是臺標的形象表現,而是以突出頻道的精神氣質強化形象為主要目標,這就要求在突出整個頻道的追求和定位的同時,還要有極高的創意思維和表現能力,畫面應具有強烈的視覺沖擊力和明確的傳播理念,而且整個宣傳片要與音樂音效等聲音完美結合

導視也是一種很重要的包裝形式,有節目導視內容導視,它除了在畫面的設計上很精美之外,往往通過提高導視的播出頻率,起到引導觀眾增加收視率的作用,所以它的創新也尤為重要

②聲音的創新

聲音的創新主要是以樹立頻道的形象特征為目標,將具有特色的聲音或音樂融入到畫面中,構成一種永久的聲音傳播符號,用來強化整體形象增強視覺理念

③畫面的創新

畫面的創新,主要是強調視覺沖擊力與文化底蘊的融合畫面是電視包裝中的主要元素,也是觀眾選擇節目的主要依據,畫面所涉及到的內容很多,有文字色彩標識及動畫等,這一切又根據節目長度的不同和形式的限制而改變畫面要有沖擊力,同時應具有一定的內涵,在不脫離節目表現內容的基礎上進行創新,將文化特色地域特色與畫面做到有機結合

(2)統一原則

強調整體包裝的統一性和規范化,也就是在頻道形象定位的基礎上,使其表現形式的整體風格一致,以及制作上規范和統一

電視包裝的統一原則包括三個方面的內容:

①形象標志的統一

在整體電視包裝中,始終都是圍繞一個臺的形象標識展開的形象標志的統一應用,可以使一個臺給觀眾以整體感,也能增強欄目或節目的段落感和節奏感,更能起到一種推廣和強化頻道的作用

②風格的統一

電視包裝的風格一般體現在包裝的三要素上,也就是從運動聲音畫面等要素上都應該相對統一,從而構成頻道的特色,形成個性化和風格化關于風格的表現,在這里重點強調一下節奏音調和基色的統一,這三個方面是統一運動聲音畫面的關鍵點

節奏的統一,就是電視包裝中的運動節奏感要諧調;音調的統一,即整個包裝中的音調呈現一種調和狀態;基色的統一,也就是電視畫面的色彩上要有一個基本的色調

③節目單元包裝的統一

整體頻道的包裝是一個有機整體,因此頻道包裝的片頭片花或宣傳片等的制作要統一,頻道中的各個欄目包裝和制作都應在整體頻道包裝的基礎上進行統一

3.3 設計階段

設計階段就是一個整體包裝創意的實現過程,往往實現創意之前就需要對整體包裝進行初步的總體設計

下面談談這些因素中直接影響整體包裝設計效果的幾個重要因素,也是總體設計階段必須考慮的幾個因素

(1)標識

頻道的標識是由標志(logo)字標口號及音頻標志構成標志和字標是用于畫面中直接展示直接溝通的,而后兩者往往結合標志出現比較多,是進行一種口頭的朗讀和宣傳標志可以由純圖形構成,也可以有純文字構成,而文字結合圖形的用法一般在頻道播出的過程中或末尾定版的時候用得最多

(2)顏色

不同的文化定位決定了不同整體包裝的色彩定位的不同,色彩在人們的心理感知中,有著強烈的情感傾向和心理接受效應所以確定頻道整體包裝的基色,在考慮欄目本身定位同時,要考慮觀眾對色彩的接受程度不同的色彩在刺激人的知覺時,給人的心理感受也不同,甚至在不同的節目中給不同的觀眾的感覺也不相同

(3)聲音

聲音包括語言音樂音響音效等元素整體包裝中的聲音就是將這些生活中的聲音進行巧妙的融合,使之與包裝的形象設計畫面風格有機地形成整體

一般電視包裝中的聲音大概就由主題音樂人聲和聲效構成

(4)畫面的運動

運動是構成畫面視覺沖擊力的重要因素,畫面的運動設計包括對畫面中所體現的每一個元素和畫面與畫面鏡頭與鏡頭之間所產生的運動進行設計,這三種運動方式基本上就構成了整體包裝的所有動畫方式

運動和聲音的結合非常重要,聲音在很大程度上能彌補運動的不足,能加強畫面的表現力度一般在片頭包裝中,靠音樂來加強運動的表現力度和節奏感,尤其在總片頭中,這種聲音結合的應用體現出來的震撼力更明顯

(5)字體

字體的設計也是一門很深的學問,尤其是在整體包裝中的應用,它是在以往平面設計的基礎上,進行了動感化包裝中的字體一般包括中英文字體和它們的組合

上面具體介紹了設計階段應該注意的五個方面,這五個方面是相輔相成的,它們在整體包裝中都占有很重要的位置,缺一不可總體設計之后就是進一步深入到具體單元包裝的設計

3.4 執行階段

在設計出最終的整體包裝手繪效果圖即故事板之后,緊接著就是緊張的前期拍攝和后期制作了這一步就是前面所有分析創意設計之后的執行階段其實也就是實現故事板設計的制作階段在制作階段沒有太多的理論可講,主要就是技術手段的應用和效果的實現,在整體包裝的制作中既要充分利用現有成型的技術手段,保證頻道包裝的有序進行,又要不斷吸納新的技術,達到創新效果

4 目前各電視臺在電視包裝中存在的一些問題

電視節目的包裝雖然在電視事業得到極大的推廣和發展,但目前的電視節目包裝仍存一定的問題

(1)電視節目包裝不重視前期策劃及方案工作

統一的整體的創意策劃是形成電視頻道宣傳包裝風格的先決條件這需要制作人員具有把握全局的觀念

(2)電視節目包裝的資料匱乏

建立完備的資料庫:文字資料圖片資料影片資料,特別是音樂資料音響資料在資料的收集整理過程中提高自己的技術素養和藝術素養

(3)電視節目包裝過份強調視覺效果

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美國心理學家馬斯洛在他關于人的心理需要層次的理論中明確指出，審美是人的高層次心理需要。滿足這個心理需要，人的生理心理才能共同健康發展。馬斯洛還認為教育的目的是在可能的范圍內，最大限度地發揮人的潛能，使人達到個人所能達到的最佳狀態，他稱之為內在教育，并認為藝術是實現這種教育目標最有效的手段。從我國的教育制度來看，長期以來，基礎教育由于受應試教育的影響，使得各方都把學習的重點放在了要參加升學考試的科目上，這造成了當代大學生基礎教育階段藝術教育的嚴重缺失。高校的藝術教育更是非常薄弱的一環，因此，在加強高校藝術教育的進程中，強化藝術教育的心理健康作用，不僅能改革心理健康教育模式，激發學生的學習動力和創造力，而且還能擴大藝術教育的內涵，擴展藝術資源的覆蓋面。

采用藝術干預的方法，是解決新時期心理健康教育中的新問題的有效手段

傳統的心理健康教育的側重點在于問題出來之后如何解決問題，因此顯得被動、消極。在心理健康教育中采用藝術干預，并將藝術干預活動的開展與高校藝術教育結合起來，實現心理健康教育從目前的消極預防為主，向積極的全面發展為主的轉變。

從高校心理健康教育的目標來看，初級目標是預防和矯治各種心理問題，達到預防心理問題，尤其是心理問題所帶來的極端行為的目的;積極的全面發展的心理健康教育在保證學生身心健康的前提下，不斷發展學生的高級情感，目標是促進每個學生最大限度地發揮自己的潛能。但在國內，目前大多數高校的心理健康教育還僅僅是著眼于解決少數學生存在的心理問題，而忽視大多數學生心理發展的需求，這種只對“癥”不對“人”、“頭痛醫頭”的心理健康教育模式已經無法適應網絡時代多元文化沖擊中成長起來的大學生的心理發展需求。積極的全面的心理健康教育的教育對象是全體學生，而不是可能存在心理問題的少數學生，其關注的是學生心理健康水平的提高，心理品質的優化和個人潛能的開發，通過全面的心理健康教育，尤其是針對現代大學生的特點，采用潛移默化的藝術教育，實現心理問題的預防和個體心理的成熟與發展這兩方面的相互補充和相互促進。

藝術對人的生理與心理的影響是很明顯的，而且，藝術對人心理產生的影響比生理層面上更大一些。美國著名符號美學家蘇珊•朗格認為，在人的內在生命中，有一些復雜運動的微妙而真實的生命感受，這種感受必須借助于直覺和體驗才能得到，而只有藝術這類表意符號堪負此任。藝術與生命息息相通，藝術能讓人體驗到生命的微妙性。因此，藝術對人的影響是全面的、雙向的。藝術教育之所以具有如此魅力，是因為藝術教育既具有教育的一般功能，又具有其他學科無法替代的獨特功能。

首先，藝術創作活動蘊含著豐富的心理教育因素，對大學生心理發展和個性的養成有著獨特的功能。在藝術創作過程中，自由、放松的創作活動本身就是一種有效的心理健康和多元智能的測試工具。而且藝術創作過程也是一個情感和情緒的宣泄過程，通過這種情緒的宣泄，疏解不良情緒，創作者可以自覺地重塑身心的平衡。藝術創作的成果也是多樣的，答案也不是唯一的，因此，易于促進開朗、活潑的個性潛能，幫助人建立自尊感和自信心。

其次，在藝術鑒賞活動中，人們既可以獲得豐富的審美體驗，又可以提高審美判斷能力，樹立正確的價值觀。以美術作品的欣賞為例，作品的色彩、線條、空間、材質等元素呈現在我們眼前時，我們進入輕松愉悅的審美狀態，這一過程直接對人體產生了有益的影響。僅以色彩對人的心理干預為例，現代醫學實驗證實:紅色使人血壓升高、提高食欲，可以增強人體免疫力;綠色使人思維活躍，可以緩解緊張情緒。協調的色彩搭配可以調節人的情緒，有益于身心健康。在藝術欣賞中，人們除了獲得美的、舒適的心理感受之外，藝術作品還傳達著藝術家的情感和價值傾向，而且在藝術欣賞過程中，藝術家情感的傳達是潛移默化的，欣賞者在一種愉悅的狀態中自然地受到陶冶。這種潛移默化的教育方式正是藝術教育所獨有的，這對于崇尚個性、生性叛逆的“90后”青少年來說是更易于接受和更加符合他們性格特征的一種教育模式。

以藝術教育方式構建高校心理健康教育體系的可行性措施

(一)加強藝術教育課程建設，建立新課程模塊

我們要首先明確藝術教育在人才培養中的定位，學校要轉變教育思想，充分認識人文藝術教育在大學生培養中的重要作用，充分挖掘藝術教育的心理保健作用。在藝術課程體系中，根據藝術干預的理論，開設有特色的藝術教育課程。藝術干預中比較成熟的形式有繪畫治療、音樂治療、舞蹈治療、表演治療、雕塑治療、故事療法和箱庭療法等。我們可以針對不同藝術干預形式和藝術種類特點，研究高校藝術類課程的教學體系，從課程設置、教學內容、教學方法等方面改革傳統的公共藝術課程模塊。

(二)改革高校藝術教育手段

藝術所包含的內容非常廣泛，不同的藝術類型，如繪畫、雕塑、音樂、舞蹈、設計，需要不同的教學場地、教育方法和教育手段。從課堂教學現狀來看，目前高校公共藝術課程的教學方式大多局限于課堂教學，以講授基本的藝術理論知識，分析與欣賞經典作品為主，這雖然拓展了學生的藝術視野，但對于學生陶冶情操、發展個性、啟迪智慧、激發想象力和創造力的作用并不大。因此，藝術教育的心理干預作用無法很好地實現。增加藝術實踐課程，注重創設情境，是高校公共藝術教學發展的時代要求。從當前的教育環境來看，高校藝術教育還必須善于運用新媒介，健全與網絡時代環境和新時期大學生心理特點相適應的心理健康教育方式和工作機制。

網絡環境是我們無法回避的社會現實，網絡在現代大學生的生活中，尤其是業余生活中扮演著重要的角色，要全面實現藝術教育的心理干預作用，面對網絡的誘惑，藝術教育工作者也要善于“潛水”，在網絡中受到追捧的卡通、動漫也是藝術門類中的重要一族，我們必須改革教育手段，充分利用網絡平臺與學生進行交流和溝通。高校可以以藝術類精品課程建設為切入點，建設網絡精品課程，實現藝術教育的互動性與交流性，進而起到藝術干預的作用。

(三)開展豐富多彩的藝術實踐

藝術教育實踐性很強，需要學生積極參與，讓學生在親身體驗中感受藝術。要在藝術教育中實現藝術干預更需要豐富多彩的藝術實踐。例如，根據藝術干預的理論，在團隊活動中的集體藝術創造過程中，協作與互動有助于成員之間建立社會情感，從而體會安全、接納和支持。因此，在藝術教學中增加實踐教學內容，增開藝術實踐性強的課程，如創意繪畫、壁飾編結、民間工藝制作、現代舞、民歌演唱等強調學生參與的課程，通過這些課程的開設，既可以提升學生的審美創造力，也可以從課堂教學的開展直接影響到學生課外藝術實踐的開展。

在校園文化建設中也要強調藝術實踐，這可以通過組織大學生藝術節、文化節、設計大賽、校園心理劇和藝術社團活動，也可以通過組織暑期藝術實踐、藝術考察等形式，讓學生根據自己的特長和愛好選擇參與。而且在藝術實踐中要加強課外藝術教育的目的性和專業性。

(四)加強藝術教育師資隊伍的建設

在藝術教育中實現藝術干預，這對藝術教育工作者提出了更高的要求。這需要一支相對穩定的、專業的公共藝術教學團隊，也需要高校加大教師培養的力度，通過進修、培訓等方式，不斷提高藝術教育工作人員的思想境界、理論水平、專業知識和藝術創新與藝術創作能力。教師本人也要積極完成角色轉換，要將藝術教育者身份與學生心理素質培育者、心理困擾輔導者、心理障礙矯正者、行為決策參謀者這幾種角色身份同時承擔起來。

(五)實施開放性評價

從評價策略來看，高校藝術教育的評價要從單一評價走向多元評價。當前藝術教育工作的開展要結合高校心理健康教育的時代需要，嘗試從工作開展的時代性、創新性、多樣性、針對性和實效性等不同方面進行多元評價。從評價目標來看，要從簡單的智能目標評價擴展到對過程方法、情感態度和社會價值觀的評價，要從學科目標和專業目標擴展到綜合素質與能力提高目標評價。

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談到藝術，我們毫不猶豫地可以說出一系列藝術作品，同時我們可以舉出無數的藝術家。但是，當我們真正追問是什么使他們（它們）成為藝術家和藝術作品的問題，藝術的內在本質究竟是什么時，我們又變得茫然起來。藝術是什么？對于此，前人已經提出了各種各樣的回答，而且接著他們的思考，我們仍可以繼續回答下去。在前人已經提出的所有解釋中，任何一種解釋都不是沒有道理，但是任何一種解釋也并不是有道理，我們即使將所有的解釋加在一起也還無法說明什么是藝術。

“藝術是什么？”這一藝術定義問題本身作為一個傳統的形而上學的命題，與“美”的定義等問題一道，在西方現當代美學尤其是英美分析哲學美學中成為一個主要的問題，并且已被認為是一個沒有實體的自我循環的假命題而多被詬病。此前從狄爾泰已經開始對藝術的本體問題不作追尋，他的探討退出了本體問題而討論藝術的意義。他認為藝術在上下文中才有意義；藝術在特定的歷史中才有意義；藝術在人們的興趣（關注）中才有意義，因此不存在沒有前提（先決條件）的藝術。分析哲學的先驅喬治·E·摩爾認為，“美”不是一個自然客體，故不能采用像自然科學下定義的方式來加以界定，而只能采用直覺來把握；早期維特根斯坦也認為美屬于不可言說的東西，對不可言說的東西，人們只能保持沉默。著名分析哲學家艾耶爾則斷定，由于美學的命題基本上沒有實指，所以都是“妄命題”。因此，美國美學家莫里斯·韋茲和肯尼克，都根本否定給藝術下定義的做法，宣稱藝術是不可定義的。所以，在這些理論來看，藝術什么也不是，什么都不是的就是藝術，藝術的本體在它的賓詞后沒有成立的可能性。

但是這種沒有可能的可能性，恰恰是我們思考的起點。對藝術的本質問題的追問的不可置否性，在現代藝術中顯示的最大意義，就在于它顯示著并不具有實體的藝術，也就是這種無有的存在，如何在人的心靈中變現為實體的藝術活動、藝術家和藝術作品。很顯然，面對“什么是藝術”這類問題，我們并不是要放棄對藝術的追問，而是要改變這種本質主義的追問方式，必須首先思考藝術之為藝術的心靈特質，放在對人的藝術活動的考察上，使我們的思考直接從“什么是藝術”的問題前的問題開始。通過藝術活動的分析，進而從藝術作品、藝術家、藝術接受等所有的藝術活動的相互關系，也就是藝術與心靈的關系中去尋求藝術的意義。

一、藝術和藝術作品

探討藝術問題，通常我們首先從分析藝術作品入手。根據經驗，我們很容易判斷出藝術品與非藝術品，我們在聆聽音樂、欣賞繪畫、閱讀小說、觀看舞蹈等藝術活動中，不假思索地認為它們都是藝術品，而且我們會有意識地去評判它們的藝術水平的高低。但問題也就隨之產生了，我們憑什么說它是藝術品或是非藝術品，如果作為藝術品，它們的水平高下是如何確定的，我們判斷的基準在于什么，也就是說，藝術作品是什么？這個問題的內在含義也就是，在我們所面對的眾多物品面前，如何判斷哪個是藝術品，藝術品符合什么條件才能被稱為藝術品，我們怎樣確定藝術品的水準的高低。顯然，我們通常的判斷是建立在對作為藝術品的基本構成的涵義的理解上，這種判斷在我們當下的話語系統中是有效的，比如在特定的時限或氛圍中，可是一旦超出這個范圍，問題可能會變得復雜起來。究其實，我們對藝術品和非藝術品的追問，回到根本上也就是對藝術問題的追問。因為我們在劃分藝術品和非藝術品時，我們已經存有了藝術的觀念在指導著我們這樣做，不管這種觀念是有意識還是無意識地支配著我們。這就是說，我們對藝術品本身的追問，也就隱含著對藝術問題的追問。所以，探討何為藝術作品的問題，實際上也就成了藝術探討的奠基性問題。但這一探究從一開始就顯得困難重重，問題遍布。

自柏拉圖、亞里士多德開始的藝術“模仿說”是雄霸西方千年的藝術理論，模仿說被作為經典的藝術理論在東西方產生了極大的影響，但實際上這一理論是直接以藝術作品為邏輯起點來探討藝術的。柏拉圖認為，世界的本質是理念，現實世界是對理念世界的模仿，作為藝術的藝術品又是對現實世界的模仿，這種模仿也就是不真實的、虛幻的。另一位哲人亞里士多德則肯定了現實世界的真實性，因而也就肯定了模仿它的藝術的真實性。后來古羅馬美學家賀拉斯也繼承了藝術模仿說，直到17世紀，古典主義藝術家們還提出了“藝術模仿自然”的原則，以再現現實為宗旨的現實主義文藝可以說是模仿說的最高發展階段。雖然，隨著西方現代藝術的崛起，在各種全新觀念的沖擊下，這一理論遭受嚴重的挑戰而變得如此不堪，但在我國當代的一些僵化和陳舊的藝術理論中還有極大的市場，以一種變形了的“反映論”藝術觀的面目出現。這一理論探討的是藝術的本質問題，但實際上卻是從藝術作品的問題開始的，分析了藝術作品和自然、理念、事物的關系。模仿說把藝術與現實世界聯系在一起，把藝術看成是再現和認識世界的一種特殊的方式，從藝術作品產生的源泉來把握藝術本質。然而，其根本問題在于，一方面它把藝術局限于“模仿”世界的認識論范圍；另一方面，它忽視了藝術創造的主體性。根本的問題也就在于把對藝術的探討以藝術作品為邏輯起點，這樣自然就把藝術的問題置換為藝術作品的問題。顯然，嚴格地講，藝術和藝術作品是有差別的，這樣一來問題就變得含混了起來。

因此，從藝術作品作為邏輯出發點來探討藝術的本質的主要問題就在于，這種探討首先就預設了藝術是一種現實的存在，認為藝術品是一種區別于自然、理念等的存在物，然后去探討它和世界的特殊的聯系。但在這其中有兩個不可回避的問題：其一也就是我們在前面提到的，在藝術之所以成立的預設中也就包含著藝術之為藝術的本質主義假定，反過來正因為有了這種預設和前提，藝術作品才得以成立和顯現。顯而易見，這自然就導致了對藝術的真實意義問題的掩蓋，其所探討的出發點即邏輯起點是藝術作品而不是藝術，但我們可以進一步追問，這些藝術作品存在的邏輯前提又是什么？藝術作品是怎樣從世界中剝離出來的？我們怎樣認定這些悲劇、史詩、雕塑等就是藝術作品而不是其他？這樣，藝術的意義的真正問題就掩蓋在本質主義的預設之中了，藝術的問題就變為藝術作品的問題。其二，既然藝術作品是藝術的現實存在物，它是對世界的模仿，它所體現的是藝術作品和世界的關系，那么，在這種關系中，藝術家作為這種活動的直接介入者，他的意義又何在呢？藝術家在這種模仿世界或理念的活動中，不介入自己的任何理解而機械、本真地模仿自然或再現理念，這幾乎是不可能的。反過來，恰恰是藝術家的活動，使得本真從遮蔽中綻出，使得藝術作品充滿了生氣，這樣，藝術家的活動正是決定藝術作品水準高低的主導因素。所以，單方面地從藝術作品出發來探求藝術問題，顯然就掩蓋和遮蔽了藝術的最基準的問題。也就是藝術的意義的真實問題。

藝術模仿說以藝術作品與世界的關系為其探討的主要問題，這在很大程度上限制了藝術的這種無限多樣的自由創造性，因為它一味地強調藝術和現實世界的完全的符合。但事實情況是，藝術就是藝術，它和現實就是不一樣的，繪畫中的顏色在現實中我們可能根本見不到，小說總歸是一種編造的故事，但它們卻又實實在在地影響著人，使人神情激蕩，思緒飛揚。為什么又會如此呢？顯而易見，用藝術作品和現實之間的這種生硬的關系來說明這些問題，已顯得極為力不從心了。這樣，就使得我們不得不又向前邁進一步，把探索的目光聚焦于藝術作品的現實來源，也就是藝術的制作者，即藝術家。

二、藝術和藝術家

藝術家，通常認為，就是藝術的制作者。藝術首先是藝術家制作出來的物品，自然地，是藝術家使藝術成為藝術，沒有藝術家，藝術似乎是不可能的，藝術家以及他的藝術制作活動是藝術的主導因素。邏輯地看，藝術活動首先是藝術家的制作活動，藝術作品也是藝術家的制作活動的最后結果。

隨著西方近性主義的高揚，人的價值，個性自由，人的主體性等問題得到了普遍的關注，浪漫主義藝術潮流也隨之勃興，藝術強調藝術家個性的自由張揚和展現，自由、創造、天才等概念成了這種潮流的主導性范疇，藝術家成為藝術的主導因素。與之相應的是藝術“表現說”對傳統的“模仿說”的反叛。18、19世紀的浪漫主義思潮，標榜“自我表現”，沖破了“模仿說”的羅網，“表現說”于是興起。表現說批評模仿機械復制，強調藝術必須以表現主體情感為主。康德最早提出“天才”論，強調藝術是天才的創造和表現，提出天才是和模仿精神是完全對立的觀點。在康德的先驗哲學中，主體性問題被強調到了極致，人是目的的問題是康德哲學的基本出發點，這樣，他就是從藝術家的活動出發，肯定了天才和創造在藝術制作中的巨大意義，他認為天才是一種天賦的能力，這種天賦因素是藝術的決定因素，這樣藝術家在藝術制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德國浪漫派畫家德拉克洛瓦認為，人即使練習作畫，感情的表達也應該放在第一位。德國直覺主義哲學家柏格森認為，詩意是表現心靈狀態的。意大利表現主義美學家克羅齊更是干脆宣稱藝術即直覺，即抒情的表現。表現說把藝術本質同藝術家主體情感的表現聯系起來，突出了藝術的審美特性。中國的言志說、心生說和緣情說大致上是與表現說相類似的觀點。較之模仿說，表現說不是從藝術作品而是從藝術家作為邏輯起點來探討藝術的意義問題，更明確地來說，就是把藝術家的情感作為藝術的核心和關鍵性問題。但同樣可以看出，在這種以藝術家以及藝術家的情感為主導的藝術問題的探討中，照樣包含著對藝術更為極端的本質主義化的傾向。

首先，藝術活動是以藝術家為主體的活動，我們絕對不否認藝術家對藝術制作活動的意義，正因為藝術家的存在以及藝術家的制作活動的水準的高低，就自然決定了藝術作品的產生和水準的高低，否則那些非凡、偉大的藝術作品是不會產生的。但是，我們把問題拓展開來看，如果說，藝術家的制作的結果是藝術作品，推而廣之，就是藝術。那么，是什么使得藝術家的制作得以成立？也就是說成為藝術作品，成為藝術，是他賦予的他的制作品的風格，還是情感，還是其他？這些都無法說明這一問題，而且會使問題再一次陷入到循環論證中而無法自拔。進一步的問題也就是，在藝術家的制作活動開始之前或進行中，他是否明確或已意識到他正進行著藝術活動，是否明確他的制作的結果將是一件藝術品而不是其他，如果是這樣，那他已經就是按照藝術的模式和規則來進行藝術產生，那么，藝術的創造性又怎樣灌注其中，藝術家的主體性又如何體現出來呢？這些問題又涉及到了藝術的意義問題，這就促使我們從其他方面而不是從藝術家出發去探究。顯然，從藝術家為邏輯起點來探討藝術的意義，認為藝術家就是藝術的立法者，藝術家使藝術作品得以成立的觀點，同樣使得問題簡單化了。不難發現，藝術創造并非藝術家為遵守規則而遵守規則，實際上只是為了某種藝術創造才去遵守這樣或那樣的規則，藝術家不是遵循了某些規則而成就了藝術。因此，需要有另一種線索來研究藝術家是如何賦予藝術品的藝術性或者藝術質量以及藝術規則的藝術質量。

其次，藝術是一種以情感為主的活動，情感的激蕩構成了藝術活動的基本意義。但是，如果僅僅承認只有藝術家具備情感的表現能力，只有藝術家的天才能力才能超越事物的表面，捕捉到那最為動人的情感，那么，問題是這種情感能表現出來嗎？即使能夠表現，我們又如何體驗到這種表現呢？這里問題還是不少。正如我們前面已否定的，藝術本來什么也不是，我們不要試圖給藝術負載什么文化、情感等的因素在其中，但情感表現主義卻把模仿說中的再現自然或理念暗換為表現情感，這種情感中心主義，實際上沒有什么大的突破，反而以一種模糊的情感來惑亂視聽，使藝術被一種不知所云的神秘主義面紗所籠罩，或是成為膚淺的弗洛伊德主義者的某種陰暗、病態心理的暗示，把崇高的藝術變成了類似原始巫術一樣的神神道道的東西。本來情感使藝術充滿活力，但情感表現主義所要求的情感的意味和表現，實際上是對情感的一種貶低和嚴重的曲解。

從藝術家出發探討藝術的基本思路是，因為存在藝術家，藝術才成為可能，不管來自于理念還是自然，還是表現歷史、情感等，它的一個基本的前提是藝術就是藝術家的制作。其中關鍵的問題是，就是藝術家以及他們的這些有意識地向自然或理念模仿或是表現情感的活動，藝術才賴以成立，藝術品才從自然中分離出來。這樣，藝術家成了藝術制作的主體，相應地，藝術家之外的與之對立的自然、理念或情感則成了藝術的源泉和來源，是為客體。這是一種表面化的探求和本質主義的預設，因為根據這一觀點，我們自然可以推出，在藝術之前，已經存在著所謂的藝術之為藝術的實體，不管它是在自然或是理念、歷史、甚至情感之中，只不過是藝術家把它抽取出來而已，藝術家在這里扮演的是一個抽取的角色。這樣，自然而然就形成了兩個對立的因素：藝術的本體和藝術的諸現象，即藝術作為藝術的本質和藝術家、作品等，藝術之為藝術的東西自然地隱藏在事物背后，藝術家將它開掘出來，藝術家就成了藝術的代言人。

以藝術家為邏輯起點出發對藝術的意義的追問，使得藝術的意義探尋問題向本質主義更深地推進了一步，沿著這一思路下去，藝術欣賞或藝術接受就成了二次開掘的工作，作為藝術接受者的活動就是猜謎式的或是破譯密碼式的工作，我們面對藝術，就要愁眉難展、費盡心力地再次去找尋藝術家植入到藝術作品中的這種意義，但是，是否存在這種永恒的意義呢？這種尋找意義的活動是否構成了藝術活動呢？這種尋求意義的意義又是什么？解釋學藝術理論便試圖從藝術接受方面來完成這樣的工作。

三、藝術和藝術接受

當從藝術作品和藝術家出發對藝術的探討充滿問題時，大家不約而同地把目光聚焦于以往的理論中關注甚少或根本沒有關注的藝術接受問題上來。藝術接受包括藝術接受者及其接受活動，是對藝術作品的一種體驗、感悟和評價；在這種接受活動中，通過對藝術作品的現實的存在的感受和思考，我們可能會和藝術作品一起構成一個屬于我們自己的世界，獲得一種情感上的體悟和評價。顯然，這不單純是個體當下的評價、接受的行為，同時也是在文化和文明的作用下產生的行為。因為這種接受、評價、體驗的行為的復雜多樣性和易變性，就使得這一過程變得更加撲朔迷離而難以把握，所以，因其無序性和隨機性的特點，以往的研究多不予關注。但它確實是藝術活動中十分重要的組成因素，而且是藝術活動的直接發生者。20世紀以來的解釋學藝術理論便試圖以此為出發點來讀解藝術、藝術作品。

解釋學藝術理論把藝術接受作為藝術活動的主體，其基本觀點在于強調從藝術接受者出發的對“文本”闡釋和讀解的多樣性，肯定了藝術接受中“前結構”和接受中的誤讀和解釋的合法性，由此達到對傳統的藝術理論所認為的藝術的中心意義的消解。解釋學藝術理論從藝術接受出發探討藝術，是針對傳統的藝術表現論而言的，這一理論首先要詢問的是藝術中究竟有沒有這種恒定不變的意義中心，作為藝術接受活動的實質究竟是不是對這種恒定的中心意義的尋找。在這一前提下，他們認為，在藝術接受活動中，這種“前結構”，也即“歷史視閾”是影響接受的基本因素，它構成一種“合法的偏見”，所以，對于接受來說，不存在所謂的與文本符合或發現中心意義的問題，而是由文本和接受構成了另一個世界，在這一世界中，文本向接受者敞開，接受者也向文本敞開；故而，藝術接受中對藝術的理解，不是要指向那意義，進入藝術之中，絕對占有藝術所構成的世界，而是將自己是“非現實化”，將自己“暴露”給文本；在藝術接受中，是力圖和自我構筑的“他者”不斷地對話，形成一個不同的世界和新的視野。所以，解釋學藝術理論強調藝術接受對藝術的意義，不但主張藝術接受者對藝術意義的占有，而更為重要的是通過這種占有對接受者自己的創造和激發。這樣，傳統的藝術的永恒、普遍的中心意義消解了，藝術不再是反映現實或表現情感的東西，它沒有普遍的標準，永恒的意義，一切都在解釋和對話中不斷地展現，不斷地開啟著新的世界。在這一理論中，他們提出“讀者中心主義”的口號，力圖解構藝術作品、藝術家的在藝術中的意義，這樣，藝術作品的范圍大大擴展，藝術家的創造不再對作品具有決定意義，甚至作者徹底地從接受視野中消失了。

但解釋學藝術理論的局限也是顯而易見的，果真像他們所描述的，任何文本，在認識視界中是真理，而在審美視界中是藝術，全由接受者的讀解來決定，那么，藝術的意義的規定性幾乎等于零。這樣，藝術創造、藝術家甚至純粹的藝術作品都會從人們的視閾中消失，我們可能面對的一切都會成為藝術的世界，我們的一切活動都可能會成為藝術化的活動，在我們隨意性的指稱中，藝術就誕生了，那么，藝術還有什么意義和規定性而言呢？所以，這又不得不迫使我們把問題引向縱深。

從藝術接受出發來探討藝術的意義，對藝術的本質和中心意義的消解，強調藝術接受的意義，從而強調藝術闡釋的多元化和不確定性，這是現代哲學對傳統形而上學的反叛在藝術理論中的體現。這樣，在藝術接受的誤讀和敞開中，“我”和“藝術”構筑著世界，藝術活動成了藝術的意義探究的核心，藝術經驗和審美經驗則是藝術中主要強調的因素，對藝術的意義的探討就直接指向了人的心靈的意義的探討。在這里，藝術不再是模仿現實或理念等事物，或不再是情感的不斷表現，藝術沒有這個必要，藝術的意義變成了一種行動，一種構筑著“別樣”世界的活動，藝術的意義在于將自己“暴露”在世界中，世界向自己的一種展開和敞亮，正是在這種沉淪和上升中，藝術的意義開啟了。所以，解釋學藝術理論引人注目的地方就在于將藝術的意義的探討最終指向了藝術活動，指向了人的心靈。

四、藝術和藝術活動

從前面的分析我們看出，不論是模仿說還是表現說，不管是從藝術作品還是從藝術家出發來探討藝術，都包含有一個不可克服的問題，都企圖從讓藝術來負載一些什么東西在里邊，不論是作品中對世界的反映，或是藝術家感情的宣泄，都試圖把理念或情感的內質強加給藝術，這是一種本質主義對藝術的否定，它在給藝術賦予一定的本質的時候，恰恰就將藝術徹底背離了。所以，我們認為，對藝術的意義的闡釋的最大的問題是極端的知識化。人的任何活動都有相應的知識，歸納性的、解釋性的或是反思性的等等，藝術作為人的一種活動，也被限制在知識的規范中了，這在很大程度上應該歸咎于美學理論。作為藝術的規范性理論，美學理論已嚴重地背離了藝術，由于它過分的和極端的知識化傾向，使藝術被淹沒在空洞的理論中。而要試圖探討藝術的意義，除了擺脫這種空洞理論的束縛外，最主要的還在于溯本逐源，從藝術活動的本初談起。而解釋學藝術理論的努力則扭轉了這個方向，它更重視藝術是一種活動，在這種闡釋的行動中，藝術和接受對自我和世界的意義的構筑和開啟。因此，我們強調，藝術什么也不表現，什么也不反映，什么也沒有，什么也沒有的就是藝術！所以，對藝術的意義的探討，從藝術作品、藝術家或是藝術接受出發，最終都要歸結到對人的藝術活動的探討中去。

藝術活動的根本所在就是構筑另一個世界的活動。我們之所以提出藝術什么也沒有，什么也沒有的就是藝術的極端的觀點，并不是徹底的虛無主義和相對主義的遁詞，而是要徹底否定所謂的藝術批評和美學理論對藝術是什么的概念化和知識化的思考，藝術開啟的本來是一個非凡別樣而不同平常的世界，而我們的理論總是試圖將它納入到我們正常的世界中來思考，這就從根本上將藝術背離了。所以，我們所要否定的就是對藝術是什么的提問。因此，問題最后會變為藝術可能的意義，藝術能夠給予什么的追問，而這種追問只能再回到藝術活動中去探究，因為藝術活動是藝術的基本的和原初的起點。

如果我們以藝術活動作為藝術的意義問題的起點，那么我們又如何來描述藝術活動呢？人的活動紛繁復雜，究竟那些屬于藝術活動？面對這些問題，我們又會變得困惑。但是，我們先驗地認為人就是一個活動的主體的話，那么藝術活動也就是人的所有活動中的一種，這種活動的特殊性在于，它是一種再造另一世界的活動，它是一種心靈構筑意義的活動。